MUSICA

MÚSICA

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

El concepto de música ha ido evolucionando desde el origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la Poesía, la música y la Danza como Arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

HISTORIA 

Música prehistórica

El desarrollo de la música entre los seres humanos aconteció con el telón de fondo de los sonidos naturales del entorno. Posiblemente estuvo influido por los cantos de los pájaros y los sonidos que otros animales utilizan para comunicarse.

Algunos biólogos han teorizado que la habilidad para reconocer sonidos no creados por humanos que podríamos considerar “musicales” proporciona una ventaja selectiva. (Véase Música animal).La música prehistórica, habitualmente llamada música primitiva , es el nombre dado a toda la música producida en culturas preliteràries, actividad iniciada en algún lugar incierto y en un pasado muy lejano.La música indígena de América y el aborigen de Australia se podría llamar prehistórica por sus características, pero el término se utiliza para referirse a la música europea anterior al desarrollo de la escritura.Es más habitual denominar la música “prehistórica” de los continentes no europeos, especialmente la que todavía existe en la actualidad, música folclórica, étnica o tradicional.

Música de la antigüedad

Se considera que la prehistoria concluyó con el desarrollo de la escritura , y por tanto, también la música que se producía. La música de la antigüedad es el nombre con que se denomina la actividad musical realizada durante el Edad antigua . La canción más antigua que se ha encontrado está escrita en grafía cuneiforme ; se encontró en Ur , y data del año 4000 aC. Ha sido descifrada por la profesora Anne Draffkorn Kilmer de la Universidad de Berkeley ( California ), y ha demostrado que está compuesta en armonías con intervalos de terceras, como los antiguos gymel ingleses, y utilizaban la afinación pitagórica del escala diatónica . Hay dibujos en jarrones y paredes de instrumentos de viento con dos tubos, como los utilizados por los griegos, y gaitas antiguas. También encontramos escritos, como los de Aristóteles ( Problemas , Libro XIX.12) que describen técnicas musicales de la época, indicando algún tipo de polifonía. Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda se han recuperado en los yacimientos arqueológicos de la civilización del Valle del Indo. La música clásica india ( marga ) se encuentra recogida en las escrituras de la tradición hindú, los Vedas . En el Samaveda , uno de los cuatro vedas, se describe extensamente la música antigua hindú.

Tradiciones clásicas

La música clásica es un término amplio, un poco impreciso. Una música es clásica si incluye algunos de los rasgos siguientes: una tradición aprendida, apoyo desde la iglesia o la corte , o de un gran capital cultural. La música clásica también se describe como compleja, duradera, trascendente y abstracta. En muchas culturas la tradición clásica coexiste con la música tradicional o popular, ocasionalmente durante miles de años, y con niveles diferentes de intercambio mutuo con la tradición paralela.

India

La música india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del Valle del Indo tiene esculturas donde se representan espectáculos de danza y aparecen instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros.

Varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores se han recuperado en las excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler en Harappa y Mohenjo-Daro. El Rigveda presenta elementos de música hindú actual, con una notación musical que indica la métrica y la manera de cantar. La antigua tradición musical hindú también habla de tres acentos y de una música vocal conocida como “Samagan” ( Sama significa melodía y Gan la manera de cantar). Los orígenes de música clásica hindú se encuentran descritas en uno de los resúmenes literarios más antiguos, las Vedas. En el Samaveda , uno de los cuatro vedas, se describe la música con bastante detalle. La música clásica hindú incluye las dos grandes tradiciones de la música carnática del sur y la música clásica Idioma indostánico del norte. Estas tradiciones son milenarias y se han desarrollado a lo largo de grandes períodos; actualmente siguen vivas y son fundamentales en la vida de los hindúes como fuente de inspiración religiosa, expresión cultural y entretenimiento. La música clásica hindú ( marga ) es monofónica , y se basa en una línea melódica modal única o rāga , que rítmicamente se organiza mediante las talas. La música carnática es en gran parte dedicada al culto religioso; la mayoría de las canciones se dirigen a las divinidades hindúes.

China

La música clásica china es el arte tradicional o de la corte de China. Tiene una larga historia que se remonta a más de 3.000 años de existencia. Tiene sus propios sistemas de notación musical , un determinado sistema de afinación , alturas , instrumentos musicales y estilos o géneros musicales.

Persia

La música persa es la música de Persia y de los países de lengua persa . Musiq , es la ciencia y el arte de la música, y Muzik , el sonido y la interpretación de la música. Los iraníes antiguos daban gran importancia a la música ya la poesía, como todavía hacen en la actualidad.

Europa

La música clásica europea es un término un poco ancho, y hace referencia a la música producida por las tradiciones artísticas en Europa, especialmente entre el año 1000 y 1900, si bien la denominación de “música clásica” se sigue aplicando a las composiciones de los siglos XX y XXI que surgen de esta tradición. La fundamentación teórica de esta tradición se desarrolló entre 1550 y 1825.

Grecia

Una parte importante de la historia escrita de la Antigua Grecia estaba dedicada al antiguo Teatro griego , en el que los corazones actuaban en actos de entretenimiento y en celebraciones religiosas.Entre los instrumentos musicales que los acompañaban estaba el aulos , de caña doble, y un tipo de lira , instrumento de cuerda pinzado: la cítara. La música tenía un papel importante dentro de la educación de los individuos, y los chicos se les enseñaba a partir de los seis años. Esta alfabetización musical general favoreció un desarrollo musical muy sólido con una fuerte fundamentación teórica.

Los modos musicales griegos se convertirían en la base de música religiosa occidental y, por extensión, de la música clásica . En cuanto a la música griega posterior, recibió las influencias del Imperio Romano , de las culturas de la Europa del Este y los siglos de dominio del imperio bizantino 

Música occidental

Los principales centros de producción ( composición y interpretación ) de la música a la que la historia de la música ha dedicado su atención preferente fueron, durante la Edad Media, los monasterios, a los que se sumaron las grandes catedrales a partir del siglo XII , las cortes nobiliarias ; más tarde fue a las ciudades donde se concentró el más innovador e intenso de la vida musical.

Aunque durante la alta edad media hubo bastante actividad musical como se deduce, entre otras cosas, de las descripciones artísticas de instrumentos musicales y de escritos sobre música, el único repertorio de música que ha sobrevivido anterior al 800 es la música litúrgica de canto llano de la Iglesia Católica Romana, mayoritariamente el canto gregoriano y otros cantos de alcance geográfico y temporal menor.

Música del Renacimiento

El comienzo del Renacimiento en la música, ya diferencia de las artes plásticas ni está tan bien delimitado en el tiempo, ni tiene lugar en Italia sino que lo hace más hacia el noroeste de Europa, en el área que actualmente comprende el norte y centro de Francia , los Países Bajos y Bélgica, ni pretende un verdadero re-nacimiento de la antigüedad clásica.

En este periodo, los principales centros nobiliarios y las grandes catedrales se dotaron de capillas en las que se reunían compositores, cantores e instrumentistas; cada centro procuraba, en la medida de sus posibilidades, los mejores músicos.

El estilo de los compositores de la Borgoña , la primera generación de la escuela francoflamenca , representó -al principio- una reacción al ue se consideró una excesiva complejidad y artificiosidad del estilo de finales del siglo XIV , el ars subtilior.

Este estilo se caracterizaba por un tipo de melodía clara y una equilibrada polifonía en todas las voces mediante el uso del contrapunto imitativo. Los compositores más famosos de la escuela borgoñesa mediados siglo XV fueron Guillaume Dufay , Gilles Binchois y Antoine Busnois .

Hacia mediados del siglo XV , compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes empezaron a ser reclamados para trabajar en toda Europa, especialmente en Italia, donde eran contratados en la capilla pontificia en Roma, y por los grandes aristócratas y mecenas de las artes, como los Medici en Florencia , los Este en Ferrara , y los Sforza en Milán.

Música del Barroco

En el Barroco, los grandes focos de música polifónica y concertando continuaron siendo las cortes reales y las casas nobiliarias, y los templos principales de las grandes ciudades europeas.

Continuando una tradición ya iniciada en el siglo XVI se esperaba del noble que no sólo apreciara la música que escuchaba sino que, a la vez supiera tocar algún instrumento y/o cantar ‘, lo que fue determinante para que la música alcanzara el estatus que tuvo en el Barroco.

El contrapunto y la melodía acompañada fueron dos rasgos característicos (a la vez que, hasta cierto punto, antagónicos) tanto en la música instrumental como de la vocal. En este último terreno, fue la ópera el género y la forma musical de más trascendencia, tanto para la producción en sí como por la influencia en otros géneros como el oratorio .

Una vez creados, en el Renacimiento los primeros géneros de la música instrumental , ésta comienza, en el Barroco, un proceso de aumento gradual de protagonismo que debería continuar aún: los públicos se interesaron más, los compositores se tuvieron más dedicación, y se definieron algunas de las formas musicales más básicas como los diversos tipos de sonata y de concierto .

La mayoría de géneros implicaban la presencia del bajo continuo , un bajo creado por el compositor ya partir del cual el intérprete resolvía – improvisando la armonía que estaba implícita, a menudo con complejos juegos contrapuntísticos.

Música del siglo XX

En el siglo XX se produjo una revolución en las artes en general, y en la música en concreto. La búsqueda de la libertad y la experimentación en la creación en el sentido más amplio del término llevó a la aparición de unos estilos musicales totalmente nuevos que desafiaban y, a menudo rompían las reglas musicales aceptadas en periodos anteriores.

En esta dinámica innovadora destacan, entre otros, compositores como Stravinsky , Schönberg , Berg y Shostakovich .

La invención de instrumentos electrónicos y la posibilidad de grabar el sonido representó una dimensión diferente tanto en el ámbito de la música llamada clásica, como en la popular. La confluencia de culturas generaron una explosión artística y comercial de estilos musicales muy influyentes, como fue el jazz , y hacia los años 50, del rock y la música pop .

Este desarrollo tecnológico, cada vez más acelerado, convertido durante el siglo XX dio un impulso enorme al hecho musical. Primero, el invento de la radio , que llevó la música a todos los rincones de la sociedad.

Los nuevos medios de comunicación , con el apoyo de nuevas tecnologías, iban desarrollando sistemas para registrar, captar, reproducir y distribuir música.

La comunicación musical ya no se limitaba a la actuación en directo, mediante los conciertos; existían otros mecanismos para que los artistas se hicieran famosos y esta fama se podía esparcir más rápidamente por todo el mundo.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA

Melodía: La melodía o melodía nada más es un concepto griego que significa cantar, en el lenguaje o uso musical, la melodía es la variación de sonidos producidos por un instrumento y se interpretaría como hacer cantar al instrumento. De esta forma se aplicaría al trabajo o decisión del compositor al utilizar los tonos agudos y graves de cada instrumento.

Armonía: La armonía  representa un cierto acuerdo o concordancia en los sonidos utilizados, es la manera de  ajustarse a la intención del compositor y a la idea que se quiere expresar. Es conveniente explicar que el concepto armonía no solo se utiliza en la música, pues también se maneja en la estética e incluso en algunas disciplinas como el yoga.

Ritmo: El ritmo se aplica en diferentes aspectos, como la danza o en algunos movimientos mecánicos “ritmo de reloj” o “ritmo al bailar”, pero en este aspecto el ritmo está dirigido a los tonos y sus repeticiones, esto puede expresarse también como compas, donde se distinguen los compases de 2 por 2, 2 por cuatro, tres por dos, etc., y su expresión es similar a los números fraccionarios 2/4  2/2 4/4 etc.

Tono: El concepto de tono se puede aplicar tanto a colores, como a la música, excluyendo los colores por obvias razones, diremos que el tono en  la música es la capacidad de ordena sonidos conforme a sus frecuencias, y es utilizado para poder conseguir frecuencias o combinaciones; cuando se aplica al canto se pueden usar las denominadas claves, “Do”  “La” “Sol” etc.

Sonido: Los sonidos son todas las vibraciones que se producen en el medio ambiente, físicamente son propagadas por ondas. En este aspecto se destacan los sonidos de la música que son lo que se quiere transmitir, y estos sonidos se encuentran en diferentes frecuencias que se deslizan en el aire llegando hasta el oído, que es el que interpreta estas vibraciones mediante el caracol, el martillo y el yunque los que pasan esta información al cerebro para que las decodifique.

Cultura: La música, ya sea por voz o por los instrumentos, ha reflejado constantemente la idiosincrasia de la población y del lugar en la que se produce, es así que sin importar el lugar, la música produce arquetipos que distinguen a esas poblaciones.

Expresión: Esta es la herramienta ideal para que los artistas expresen sus sentimientos y pensamientos, pues las ideas se diseccionan a la intención del compositor.

MÚSICA EN LA TECNOLOGÍA 

La tecnología aplicada en la música, ha sido una herramienta fundamental para todos los adoradores y grupos de alabanza en las iglesias de las naciones. Incluso, esta misma herramienta, ha llegado a las pantallas grandes, siendo utilizada para las bandas sonoras de las películas cristianas, y por supuesto, como todos ya conocemos, en las seculares.

A lo largo del tiempo con el desarrollo de los medios tecnológicos los recursos de que dispone un compositor han ido aumentando. En 1909, Luigi Russolo en su “Manifiesto Futurista” habla de combinar sonidos procedentes de máquinas y no de instrumentos musicales tradicionales y combinar esos sonidos con un criterio artístico o basándose en la imaginación del creador.

Corrientes musicales vanguardistas como la música electrónica y la música electroacústica entre otras, hacen uso de la tecnología del momento en sus procesos creativos.

Uno de los debates que surgen con la incorporación de la tecnología en la creación musical es ¿cómo quedan definitivamente las figuras del compositor e intérprete?

La obra del músico plasmada en la partitura, no es ningún objeto sonoro, el intérprete debe llevarlo a una segunda fase, así, tiene la posibilidad de realizar múltiples cambios. El intérprete, tiene como responsabilidad mantener el espíritu de la obra fiel al original, ya que la tarea del intérprete es ejecutar la obra anotada en la partitura.

Con la aparición de la música elaborada con dispositivos electrónicos la duda queda resuelta: las figuras de compositor e intérprete se funden en una sola. Ya no existe como en siglos anteriores un creado

r musical y bien diferenciado de él un ejecutante que transforma en sonidos todo aquello que el compositor plasma en un pentagrama.

La tecnología ahora juega un papel fundamental. Uno de los principales avances tecnológicos de los que se “sirvió” la música para mejorar el almacenamiento y posterior reproducción en soportes físicos como el CD, minidisc etc., fue la grabación digital que elimina cualquier ruido o sonido adicional a la propia música como la aguja tocando el disco o el cabezal de la cinta tocando la cinta grabadora. Así, el sonido obtenido mediante un registro digital es idéntico al original.

La tecnología musical no exige nada a la música, simplemente se pone a su servicio para facilitar procedimientos que a la propia música le interesan, como su distribución entre el público, que pueda ser “guardada” en soportes en que no pierda calidad, que su reproducción sea fiel reflejo del sonido original etc., mientras que la tecnología aplicada al proceso creativo de una obra pueda incorporar elementos novedosos frente a los sonidos de los instrumentos tradicionales.